Babylon révèle les dessous cauchemardesques de l'usine à rêves des années 1920. Allociné
« Babylon », de l’usine à rêves au cauchemar hollywoodien
Dans son dernier film, Babylon, le réalisateur Damien Chazelle présente une vision très différente de l’industrie cinématographique américaine que dans son film oscarisé de 2016, La La Land.
Ici, point d’hommage romantique et nostalgique à Hollywood : Babylon révèle les dessous cauchemardesques de l’usine à rêves des années 1920. En racontant l’histoire de l’ascension et de la chute (presque toujours inévitable) d’un groupe de célébrités du cinéma en quête de gloire sur fond de changements sociaux, culturels et technologiques dans l’Amérique moderne du XXe siècle, le film résonne avec notre époque.
Hollywood dans les années folles
Les années folles – une ère d’abondance et de consommation, d’effervescence culturelle et d’innovation – ont mis Hollywood en lumière. Le cinéma est devenu une puissance économique. Avec son centre financier à New York et son centre de production en Californie, l’industrie se consolide, passant d’une multitude de petites entreprises à huit grandes sociétés, telles que Warner Brothers, Paramount et 20th Century Fox. Les grands studios ont acquis un contrôle quasi monopolistique, de la production à la distribution en passant par l’exploitation, et ont produit des milliers de films pour un public toujours plus nombreux, partout dans le monde.
Chazelle a raison sur bien des points concernant l’histoire d’Hollywood au cours de cette décennie décisive. Le développement du star-system, qui produisait et vendait les films pour propulser des stars et créait des icônes dotées de millions de fans, est montré dès le début, avec une fête extravagante qui est à la fois somptueuse et scandaleuse. Lors de cette fête, nous rencontrons Nellie LaRoy (Margot Robbie), une jeune starlette sur le point de percer, et Jack Conrad (Brad Pitt), une star établie, deux personnages vaguement inspirés des vies tragiques de Clara Bow et John Gilbert.
La drogue, l’alcool et la débauche sexuelle sont à l’honneur lors de la fête et conduisent à la mort d’une jeune actrice, une tragédie qui rappelle le scandale de Roscoe « Fatty » Arbuckle en 1921. À l’époque star comique incroyablement populaire et grassement payée, Arbuckle a été accusé de viol et jugé pour homicide involontaire après la mort de Virginia Rappe. Bien qu’il ait finalement été disculpé, le scandale a mis fin à la carrière d’Arbuckle et a exposé la réalité sordide des coulisses de ce qu’on a appelé « Hollywood Babylone ».
Moralité et scandale à Hollywood
Le scandale Arbuckle et d’autres qui ont suivi ont suscité un tollé général et des appels politiques à une « refonte de la morale » à Hollywood. Les studios insèrent des « clauses morales » dans les contrats des employés, leur permettant de les licencier pour inconvenance sociale ou sexuelle ou pour avoir provoqué un scandale public.
Ils créent une association professionnelle, la Motion Picture Producers and Distributors of America, et engagent à sa tête Will Hays, l’ancien président du Comité national républicain. Promettant d’assainir le cinéma, Hays fait la promotion d’une liste de « Don’ts and Be Carefuls » puis du Production Code of 1930 (connu officieusement sous le nom de code Hays), afin d’empêcher la présence à l’écran de blasphèmes, de nudité, de sexe et de « satire du clergé ».
Cette répression du contenu des films s’inscrit dans le cadre d’une réaction conservatrice plus large, alors que les États-Unis entrent dans l’ère moderne. En 1920, la plupart des Américains vivent dans des villes. La culture populaire et la société de consommation sont en plein essor. Les femmes ont le droit de vote. L’immigration européenne et la migration afro-américaine ont rendu l’Amérique multiculturelle. De nombreux Américains craignaient ces changements et y résistaient, cherchant à rétablir une « homogénéité culturelle » notamment par le contrôle de l’industrie cinématographique.
Du silence au son
Ces guerres culturelles reflètent profondément nos guerres actuelles, où les groupes sociaux – dans ce cas, les Américains conservateurs et libéraux – s’affrontent et entrent en conflit pour savoir quelles valeurs et croyances domineront la culture.
Mais l’intrigue de Babylon se concentre plutôt sur la transition de l’industrie cinématographique du film muet au film sonore et sur l’impact de ce changement sur les stars de l’ère du muet. Chazelle introduit avec justesse le son en présentant Al Jolson dans le film de 1927
L’industrie se tourne alors vers cette nouvelle technologie, à grands frais, juste avant que la Grande Dépression ne frappe. Les investissements dans les microphones, l’insonorisation des studios, le câblage des salles de cinéma et l’embauche de nouveaux techniciens sont allés bon train. Les acteurs qui n’avaient pas la bonne voix, le bon accent ou la bonne diction n’étaient pas retenus. Chazelle raconte cette histoire avec humour, montrant les difficultés du tournage sur les nouveaux plateaux sonorisés, et en capture aussi la dimension tragique, car les carrières des personnages principaux, le LaRoy joué par Robbie et le Conrad interprété par Pitt, s’effondrent.
Des haillons à la richesse
Les autres personnages de Babylon représentent des aspects importants du cinéma des années 1920. L’ascension de Manny Torres (Diego Calva), qui passe du statut d’ouvrier de studio à celui de producteur, illustre les possibilités offertes aux cinéastes latinos, tels que René Cardona, et montre que l’on peut encore devenir riche à l’époque des studios. Ruth Adler (Olivia Hamilton), une réalisatrice modelée sur la pionnière Dorothy Arzner, fait allusion à l’importance des femmes en tant que scénaristes, monteuses et réalisatrices au début d’Hollywood.
Chazelle souligne également le rôle vital que les chroniqueurs de potins ont joué pour faire connaître Hollywood, ses films, ses stars et ses fantasmes. Elinor St John (Jean Smart) accepte sans sourciller d’être qualifiée de « cafard. Même si la romancière britannique Elinor Glyn, qui a inspiré son personnage dans la vie réelle, n’aurait sûrement pas été d’accord, les commères se sont nourries des miettes de l’industrie et ont survécu aux stars les plus célèbres.
Deux autres personnages ont une grande importance pour le film et sa signification historique plus large. Un musicien de jazz afro-américain, Sidney Palmer (Jovan Adepo), et Lady Fay Zhu (Li Jun Li) rendent hommage à Louis Armstrong et Anna Mae Wong. La façon dont les studios les traitent dans le film – Palmer est obligé de se produire en blackface et Lady Zhu ne peut pas être castée comme actrice – expose le racisme et le sexisme qui ont dominé Hollywood pendant la majeure partie de son histoire.
Sous la pression de l’intérieur et de l’extérieur, l’industrie commence à changer. Cependant, ces petits progrès continuent de faire enrager les conservateurs. Par exemple, le casting de Halle Bailey, une actrice-chanteuse afro-américaine dans le film d’animation La Petite Sirène qui sortira cette année, a catalysé une tempête de réactions racistes. Comme il y a cent ans, Hollywood est à nouveau au centre des guerres culturelles américaines.
Jennifer Frost, Associate Professor, University of Auckland
Cet article est republié à partir de The Conversation sous licence Creative Commons. Lire l’article original.